NOSTALGIA: cine de la infancia

Hoy me tomo la libertad de escribir algo personal. Y se trata de un ejercicio que todos deberíamos hacer alguna vez, pues la nostalgia es como la sarna, que con gusto, no pica. A ese gusanillo que se mueve dentro de ti al ver escenas de películas que veías cuando eras pequeño, al escuchar canciones que te sabías de memoria a los 7 años, conviene alimentarlo de vez en cuando. Y aquí va una pequeña dosis para el mío, dedicada también a mi hermano, que reirá y llorará como yo he hecho al revivir tantos momentos que compartimos delante de una televisión.

Imagino que más de uno compartirá estos recuerdos. Espero que disfrutéis y os sirva para lanzaros a darle una pensada a vuestra lista nostálgica. Es una búsqueda difícil, pero entrañable!

Me permitís que ponga vídeos de las películas que más añoranza me han creado, qué sensación, oye!

Empecemos por algo común a todos…

DISNEY

Walt Disney fue y es, gracias a su legado, el padre del cine infantil, sin reproche alguno. Desde los años Treinta, este creador de historias y fantasías ha deleitado a todos los infantes del mundo occidental. Y es que sus obras no pasan de moda, nunca pasarán. Fue un genio adelantado a su época, un maestro en la concepción y ejecución de fábulas maravillosas. Y aprovecho este post para repasar las películas que todos hemos visto. Recordemos…

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OBRA DE WALT DISNEY PRODUCTIONS

ANIMACIÓN

-Silly Symphonies (1929-39) 

-Blancanieves y los siete enanitos (1938)
-Ferdinando el toro (1938) 

-El sastrecillo valiente (1938) – El debut de Mickey Mouse, Pluto, Donald y compañía
-El patito feo (1939)
-Pinocho (1940)
-Fantasía (1940)

-Dumbo (1941)
-Bambi (1942)
-La Cenicienta (1950)
-Alicia en el país de las maravillas (1951)
-Peter Pan (1953)
-La dama y el vagabundo (1955)
-La bella durmiente (1959)
-101 dálmatas (1961)
-Merlín el encantador (1963) 

————————————————————- muerte de Walt Disney

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-El libro de la selva (1967)
-Los aristogatos (1970)
-Robin Hood (1973)
-Popeye (1980)
-Tod y Toby (1981)
-La sirenita (1989)
-El príncipe y el mendigo (1990)
-La bella y la bestia (1991)
-Aladín (1992)
-Pesadilla antes de Navidad (1993)
-El Rey León (1994)
-Pocahontas (1995)
-Toy Story (1995)
-El jorobado de Notre Dame (1996)
-Hércules (1997)
-Mulán (1998)
-Bichos (1998)

PELÍCULAS DISNEY CON PERSONAJES REALES

-Merry Poppins (1964)
-El abuelo está loco (1967) 
-Chity chity Bang bang (1968)
-Flubber y el profesor chiflado (1997)
-George de la jungla (1997)
-El inspector Gadget (1999)

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Disney aparte, y aquí ya derivo a lo más personal, a mi selección de recuerdos de la infancia:

Películas de los Noventa, dirigidas a los niños de mi generación, como:

-BAG: Mi buen amigo gigante (1989) 

-Solo en casa (1990)
-El guardián de las palabras (1994)
-Casper (1995)
-Jumanji (1995)
-Space Jam (1996)
-Matilda (1996)
-Borrowers (1997) 

-El príncipe de Egipto (1998)
-El dorado (2000)

Clásicos y no tan clásicos del cine, de la mano de mi abuelo

-Las aventuras de Robin Hood (1938) – El bueno de Errol Flyn y su eterna sonrisa 

El Mago de Oz (1939)
-Las minas del rey Salomon (1950)
-El mundo en sus manos (1952)
-Siete novias para siete hermanos (1954) 
-Ben Hur (1959)
-West side story (1961)
-Sonrisas y lágrimas (1965)
-La carrera del siglo (1965) 

-Tarzán (1967) 

-ET (1982)
-La princesa prometida (1987) 

-¿Quién engañó a Roger rabbit? (1988)

Como siempre, quedan miles que me dejo en el tintero, seguiré pensando en ello.

Y termino con otro de los fenómenos que marcaron nuestra infancia ante el televisor

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NUESTRAS SERIES

-Tom y Jerry
-El Correcaminos y el Coyote
-Los Pica Piedra
-Power Rangers 

-Dragon Ball
-Simpson
-Pokemon
-Oliver y Benji
-Evangelion
-Pipi Calzaslargas
-Los Cinco
-La banda del patio
-Las tortugas Ninja
-Doraemon
-El laboratorio de Dexter
-La máscara

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Definitivamente… cualquier tiempo pasado, fue mejor.

Ignacio Peña Kindelan

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Batman en el cine

Soy de esos que piensan que Batman es el mejor superhéroe que se ha creado, o técnicamente hablando, el mejor justiciero, ya que no tiene poderes como los demás. images (2) (3)

Ese es, en mi punto de vista, el factor clave por el que una persona (y yo creo que son la mayoría) puede sentirse identificado con Batman o su alter ego, Bruce Wayne. El que es una persona como los demás, aunque mucho más rico. Esa atracción por este personaje, y por sus villanos (que creo que son vitales a la hora de mantener esa fascinación por la historia desarrollada en Gotham) se ha visto reflejada en el apoyo de los espectadores en sus andanzas en el cine.

Una carrera cinematográfica con diferentes estilos y resultados, desde la atrevida y tenebrosa visión de Burton, pasando por la colorida e infantil versión de Schumacher, hasta la realista, psicológica y adulta versión de Christopher Nolan.

Con la primera saga de Batman, Tim Burton creó un mundo muy cercano al cómic pero resaltando lo tenebroso de su ambientación (tenebrismo en la personalidad de los personajes y, sobre todo, de la ciudad). Ahí radica su atractivo, en como concilia una oscura visión del mundo Batman con la comercialidad de las superproducciones de Hollywood, donde hay que destacar la banda sonora de Danny Elfman.

btmnretuUna producción comercial debida a su extraordinario reparto que incluye a Michael Keaton, el mejor mentón que ha tenido Bruce Wayne  (aunque con menos físico que Christian Bale); a Jack Nicholson como El Joker, el villano más carismático de todos los tiempos; o a Kim Basinger entre otros.

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En Batman Vuelve, Burton se atreve con éxito a aumentar los elementos fantásticos. De nuevo un gran reparto al que se incorporan Danny De Vito interpretando a un genial Pingüino y a la sexy Michelle Pfeiffer como Catwoman. El resultado es una película tan entretenida como la primera.

Ese entretenimiento se mantiene a un nivel mucho inferior en las dos películas de Joel Schumacher. La diferencia entre ambas son que las de Burton eran interesantes y éstas apenas lo eran. Además contó con una ambientación sin apoyo popular ya que iba en contra de lo que Batman había sido hasta entonces: El Caballero Oscuro. Batman se convirtió en un producto, basado en la aparición de estrellas del cine que participaban en un seudo-spot-videoclip, sin apenas contenido relevante.

La gente se olvido del éxito de Burton y Batman durante unos años estuvo dormido a la espera de un valiente que tenía la tarea de hacer resurgir con mayor fuerza la saga del hombre murciélago o quién sabe si a hundirla.

Gracias a Dios, la imagen de Batman recuperó su esencia en la nueva saga que significaría su triunfo definitivo y su consideración como el personaje de cómic más relevante. Christopher Nolan reinició la saga con una extremadamente seria, psicológica, oscura y sólida recreación del universo Batman, haciéndolo aún más realista. A destacar la banda sonora de Hans Zimmer y James Newton Howard.

the_dark_knight_rises_trilogy_postersUna visión auténtica y bien elaborada que contó con un grandísimo actor como protagonista, Christian Bale, el cual se introdujo en el personaje de manera admirable. A todo esto Nolan aplicó un espectáculo visual sin precedentes. La calidad de la galería de secundarios con los que contó la trilogía iniciada con Batman Begins, que inclía a Morgan Freeman, Michael Caine y Gary Oldman, ascendió a la trilogía a un nivel de culto.

En la segunda parte El Caballero Oscuro, la ambición y un guión genial y elegante hizo ascender a la película al nivel de obra maestra. Se images (1) (6)incorpora un nuevo ingrediente, lo épico. Un espectáculo monumental que atrapa al espectador y lo introduce en una maravillosa ilusión adrenalítica. Por supuesto, no se puede obviar la perturbadora e inolvidable recreación del Joker por parte del valiente actor Heath Ledger.

En la tercera entrega The Dark Knight Rises, lo épico se vuelve protagonista hasta que la película alcanza un clima sin parangón. Destacar a un Tom Hardy que realmente asusta como Bane. Un espectáculo brillante que pocas veces se podrá ver en una pantalla. No es mejor que la segunda pero es el mejor final para la mejor saga.

Batman vuelverá con Ben Affleck en Man of Steel 2.

Estaremos atentos a su evolución.

José Mtnez Reixa

LOS HERMANOS MARX: La inmortalidad de su humor anarquista

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Para escribir sobre ellos hay que adoptar una postura reverencial puesto que estamos ante un mito imperecedero, frente a la inmortalidad de un humor anarquista y revolucionario que jamás ha sido igualado. Para mí, los hermanos Marx son el paradigma del screwball y, sobretodo, del slapstick en el cine. La escena del camarote del barco en “Una noche en la ópera” (diminuto camarote que se va llenando personajes y objetos, incluso unos encima de otros hasta reventar: los cuatro protagonistas y el enorme baúl en el que se han colado con polizones, un fontanero, la camarera que va a preparar la cama, una joven que va buscando a su tía y varios camareros con bandejas llenas de comida) es la quintaesencia del absurdo, alegre e ilógico slapstick que caracteriza las acciones de estos enloquecidos actores. Si a ello unimos el lenguaje por ellos utilizado (incluidos los sonidos guturales producidos por el claxon del automóvil con que se expresa Harpo, siempre mudo) que es típicamente screwball y destructivo, vemos que los célebres hermanos Marx alcanzaron la cima cinematográfica de humor sin génesis, puramente marxiano, concebido de manera original esta vez más que genial. Este lenguaje con sus continuos gags verbales, la manera atropellada en incontinente de hablar de Groucho y el fingido acento italoamericano de Chico, es difícilmente traducible, por lo que el cine doblado de los hermanos Marx pierden la mitad de su eficacia.

Los Hermanos Marx fueron originalmente cinco: Julius,(Groucho como nombre artístico), Adolf (Harpo) Leonard (Chico) Milton (Gumo) y Herbert (Zeppo). Los tres primeros eran cómicos, los dos últimos, los “serios” en los papeles de cualquier show de la familia, que se iniciaron en el Vaudeville característico de la segunda década del siglo XX, recorriendo pueblos y ciudades de los Estados Unidos sin parar. Pero ya, durante los Felices Años 20, los Hermanos, reducidos a cuatro por el abandono de Gummo, eran claramente famosos en Broadway. (Zeppo, el otro “serio” abandonaría también tras la película “Sopa de Ganso”). Era vox populi entre los que conocieron de siempre a la familia Marx que los Hermanos no tuvieron nunca que “crear” sus personajes para el teatro o el cine, puesto que “ya eran así” antes de dedicarse al espectáculo. Es decir, era una familia screwball. Familia judía y pobre, aunque, como Groucho proclamó, “como no lo sabíamos, éramos felices”.

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Groucho Marx, la leyenda

Groucho se caracteriza por su bigote postizo (ancho y pintado), caminar rígido y encorvado, habla sin cesar, casi siempre con doble sentido y siempre elaborando planes utópicos. Su vestimenta, bastante formal, contrasta con la de sus hermanos, Harpo y Chico, informal y algo extravagante. Chico aparenta ser serio pero no lo es; su imitación del acento típico de un inmigrante italiano es insuperable. Harpo hace de mudo, pero se expresa muy bien, a través de sus silbidos y bocinazos, especialmente cuando manifiesta alegría, sorpresa o quiere avisar a los otros de algún peligro. La utilización del claxon es simplemente genial. Por lo demás, colecciona objetos inverosímiles que guarda en sus amplísimos bolsillos. Los tres persiguen cualquier falda que se les ponga por delante, pero siempre muestran un erotismo limpio. (Aparte menciono los “amores” de Groucho por Margaret Dumont). La relación entre Chico y Harpo es amistosa, casi fraternal: cuando se encuentran, entre silbidos y abrazos, intercambian regalos que han guardado para el otro (En “Una noche en la Ópera” se intercambian salchichones!). Ambos son antagonistas de Groucho, al que siempre meten en líos. Sus personajes son siempre los mismos: Harpo representa la bondad e ingenuidad, aunque a veces se le ven algunas intenciones malvadas que hace brillar sus ojos; Chico es la pillería que en América se le supone a los italianos. Groucho es la inteligencia aplicada a diversos personajes: un veterinario, el dictador de un país imaginario, un aspirante a manager de un cantante de ópera, etc. Por lo demás, nos encontramos con la sorpresa de que Harpo es un buen artista y Chico un buen pianista. ¡Qué familia!

El bueno de Harpo

El bueno de Harpo

Groucho hace el amor, fingido o real, a Margaret Dumont en hasta siete películas. Ella, alta, robusta, matrona, no exenta de belleza, representa normalmente a una dama cargada de millones, que Groucho desea conseguir. En sus películas con los Hermanos Marx, la DUmont representa la dignidad, el equilibrio y la “normalidad” frente al enloquecimiento de aquellos. Su credibilidad ante las reiteradas declaraciones de amor de Groucho es entrañable; nunca pierde la fe en este embaucador. En el paraíso cinematográfico de los Hermanos, Margaret Dumont ocupa un sitio privilegiado.

Dos grandes éxitos en Broadway dieron lugar a las primeras películas de los Hermanos Marx en Hollywwod: The Coconuts (Los cuatro cocos, 1929) y Animal Crackens (El conflicto de los Marx, 1930). Después llegaron: Monkey Bussiness (Pistoleros de aguadulce, 1931), Horse feathers (Plumas de caballo, 1932) y Duck Soup (Sopa de ganso, 1933), todas ellas en la Paramount. Esta última es la comedia más delirante de los Hermanos y la favorita de la mayor parte de la crítica; también de Groucho, que la considera la más loca de cuantas filmaron. En ella, Groucho es el inepto presidente de una república bananera, sostenido por la millonaria Margaret Dumont, en guerra con un país vecino; Harpo y Chico son dos desopilantes agentes dobles secretos. Pero Sopa de ganso fue un fracaso de taquilla y la Paramount dejó caer a los Hermanos.

Harpo, el gamberro

Chico, el gamberro

Afortunadamente, el gran productor de la MGM, Irving Thalbert, los acogió e incluso potenció sus películas introduciendo una historia paralela a la comedia romántica con otros personajes, anormales por supuesto, que contrastaban con el slapstick de los Hermanos y daban al espectador “algo más”. Así, filmaron A night at the opera (Una noche en la ópera, 1935), At the races (Un día en las carreras, 1937), At the circus (Una tarde en el circo, 1939), Go West (Los Hermanos Marx en el Oeste, 1940) y The Big Store (Tienda de locos,1941). A partir de aquí, los Hermanos se separaron y cada uno fue por su lado. Regresaron al cine juntos, sin pena ni gloria, en 1946 con A night in Casablanca (Una noche en Casablanca). Coincidía esto con el fin de ciclo de las comedias screwball. En todo caso nos quedan todas las demás. Podemos imaginar la que organizan estos locos en un teatro de ópera, en el circo, en unos grandes almacenes o enfrentados al wild west. ¡Una auténtica locura!

Para mí, Una noche en la ópera es la favorita. Es tan delirante como Sopa de ganso y tiene momentos antológicos inolvidables: aparte de la hilarante escena del camarote, ya mencionada, recomiendo disfrutar con las siguientes: la discusión entre Groucho y Chico de un presunto contrato de un cantante de ópera, los destrozos que causan los Hermanos en la representación de “Il trovatore”, la suplantación de los tres pilotos interoceánicos a su llegada a Nueva York, los engaños a la policía cambiando muebles en la habitación del hotel y muchos momentos más que hacen inolvidable esta genial película.

Pasen señores, pasen y disfruten de estos genios. Yo sólo he disfrutado, y sigo disfrutando, tanto viendo cine, con John Wayne y el western. Pero eso es otra historia, como diría Kipling.

E.P.A

DRÁCULA DE BRAM STOKER, una maravillosa pesadilla

Me decía un buen amigo mío: “La película de Drácula de Bram Stoker no es una película de terror como la gente dice, es una película romántica”. Y mucha razón llevaba.

WINONA RYDER, GARY OLDMAN

Una oda al escapismo de la realidad y la vigilia, ambientada con elegante tenebrismo y oscuridad, con ciertos tintes de erotismo tartárico, todo dentro de lo surrealista de la mitología transilvánica. Una fabulosa película, cargada de interesantes efectos secundarios, desembocando todos en el ensalzamiento de la locura del amor, se sirvió de una fantástica historia concebida por el irlandés Stoker  un siglo antes. Una historia que se convirtió en la cuna de la materialización (referida al éxito de un “ponerle nombre, apellidos y cara” a la criatura protagonista) de una leyenda que se remonta a las más antiguas civilizaciones: los vampiros.

Es una película que creo que consigue su objetivo; meter al espectador en el ambiente que genera, hacer que se crea lo que está pasando en la pantalla, por muy fantástico  que sea. Es mérito del destacado reparto, que luego mencionaremos, pero sobretodo de Francis Ford Coppolla, a mi parecer el gran maestro en esos fueros de la ambientación y transporte a otras realidades. Después de su perfecta década de los Setenta (El Padrino I, II, Apocalypse Now, La conversación, Patton, etc), obras maestras, se vio en sus posteriores películas el reflejo de la mediocridad, falta de inspiración y algún que otro problema personal. Fue entonces cuando, tras un nuevo tropiezo en la tercera parte de El Padrino, decidió hacerse cargo del proyecto de Drácula. Fue en mi opinión el regreso, y de alguna forma la despedida (desde entonces son muy poquitas sus obras como director), de ese creador de atmósferas y ambientes sordos, que hace malabarismos con los planos, las sombras y las maquetas. Realmente la película de Drácula parece atrasada para su época, a nivel de efectos especiales y escenarios (en 1992 ya se habían visto títulos espectaculares en ese sentido), un filme rudimentario. Pero es esa la esencia de la batuta de Coppolla. Con un espléndido vestuario, y su buena mano para los recorridos de la cámara y la fotografía, suplía las carencias de aquellos recursos que para él, hacían de las películas algo demasiado artificial.

El magnífico conde

El magnífico conde

Pero metiéndonos en la trama, tengo que decir que lo que me motivó a escribir sobre esta más que comentada y ya archivada película, fue volver a ver esa primera hora y pico de presentación de los personajes. Empecemos por el señor conde:

Oldman en el Drácula joven, apuesto y provocador

Oldman en el Drácula joven, apuesto y provocador

El conde Drácula, llevado a la gran pantalla de forma ejemplar por Gary Oldman, es un personaje continuamente retroalimentado por su exquisita personalidad irascible, llena de aspavientos controlados y profundamente sentimental, pero con un ocultismo y misterio que consigue maquillar sus debilidades, perfeccionando así su grandeza. Alterna la figura del misterioso viejo conde con la del joven enamorado viajero en el tiempo, y con las distintas encarnaciones monstruosas, cosa que arriesga la identificación del personaje por parte del espectador a lo largo de la trama (¿este tío es el mismo de antes?). Existe además la paradoja de la imposibilidad de acertar con el alcance del potencial de su poder; por un lado encuentras al Drácula omnipresente, atemporal, teriantrópico (cambia de forma y especie), capaz de comandar a esas “putas del infierno” – sensualísima aparición de Mónica Bellucci, por cierto – e incluso dominar la mente hasta atormentarla. En resumen, una omnipotencia con evidentes referencias a textos bíblicos y algún que otro apócrifo. Y por otro lado, está la figura del anciano conde, que a pesar de tener la autoridad y retórica que contribuyen a esas virtudes antes mencionadas, no deja de ser un inofensivo viejo con neuras de lo más extravagantes. Si a aquello le añades la elipsis de cualquier escena donde se pueda demostrar su poder, a nivel de “cuerpo a cuerpo”, digamos, y la más que morbosa fragilidad de su figura cuando aún no ha salido la luna (es una pobre criatura transportada en barcos y cajas sin protección alguna), sólo llego a la conclusión de que esta paradoja es parte de la intención de Coppolla, y si de ella estoy hablando, es porque lo consigue, y con creces. Consigue hacer inmenso a un personaje, prescindiendo de los clichés de antagonistas fuertes, malvados y aventajados físicamente. Es además un personaje ni bueno ni malo, al que temes pero quieres…simplemente Drácula.

Es tal su grandeza, que en esta primera parte de la película –la que hace de esta obra algo especial – su presencia eclipsa de forma tajante y absoluta a Keanu Reeves (a mi parecer un actor de lo más mediocre), convirtiéndose el personaje de éste en un mero nexo entre los verdaderos protagonistas de la historia.

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Hipnótica Winona Ryder

A continuación viene la sucesiva presentación de Mina (Winona Ryder), que como digo es un crescendo de presencia, al principio tímida tras las piernas abiertas de su amiga Lucy, y poco a poco evolucionando hasta convertirse en la única protagonista y el foco de atención de todos los mirones. Ella es delicada, formal y elegante, pero sensual y atrevida según avanza la trama. Un papel para no demasiadas actrices (Keira Knightley, quizás).

Las escenas de Drácula con Mina durante el segundo tercio de la película, son las que convierten esta obra en una romántica. Cenas y bailes con velas, conversaciones profundas y atrevimientos de cortejo que transmiten una majestuosidad y gentileza, que te atrapa en la complicidad y atracción que hay entre dos personajes que “se acaban de conocer”.

La sucesión de los hechos en la casa de los aristócratas sirve de regulador de esa tensión e incertidumbre del castillo de Drácula; las ingeniosas escenas con los pretendientes de la exótica Lucy, o la naturaleza de lo más espontánea y humana de Van Helsing (Anthony Hopkins en su salsa) evitan los excesos de esas situaciones paranormales que tanto pueden desquiciar al público más conservador.

La música es simplemente perfecta. Una banda sonora instrumental, con todos los matices necesarios en los momentos oportunos.

Como conclusión, es una obra en la que encuentras miedos, impulsos primitivos, alabanzas a la belleza femenina, una extravagante persecución del amor, todo ello teñido de mitología y apología a un personaje que rompió con los esquemas de concepción de los vampiros. Un manjar para saborear cual sangre fresca para el propio conde. Una obra maestra en su primera parte, y un aceptable final, donde sin duda alguna sobra el beso.

Es una película que navega en lo neo gótico para conseguir atraparte y llevarte en volandas  a un sueño. Lástima que muchos no quieran soñar…

Os regalo estos extractos del rodaje de Drácula, donde se puede apreciar la humanidad y el disfrute de la convivencia de los actores y producción de este proyecto. Es alucinante ver las técnicas de preparación de los intérpretes para meterse en sus papeles. Maravilloso ver detrás de las cámaras!

Ignacio Peña Kindelan

Los mejores personajes cómicos de ficción

Ante el nivel de algunas series cómicas que hemos tenido los últimos años, analizándolas una por una, vemos que tienen un factor en común que hace que estas sobresalgan sobre las demás.

Ese factor en común son los personajes únicos que aparecen en ellas, ya sea en televisión o en el cine.

Aquí una breve enumeración de los mejores y su porqué:

Homer-quema-dinero1. HOMER SIMPSON

Un personaje único, pseudo-copiado en varias ocasiones (Peter Griffin o Stan Smith), motivo por el que estos últimos no se encuentran en la lista.

2. ALAN GARNER

Sin duda, el personaje más extravagante que hemos visto en la pantalla grande en la última década. Sobre él se sostiene en más de una ocasión la credibilidad de la saga Resacón.

1135031-cartman_something_wall_mart_4003. CARTMAN

Es un niño repelente, todos lo saben, pero en lo insoportable que es, radica su verdadera gracia.

Además su mérito radica en basar su gracia en decir cosas (no verdades) que nadie se atreve a decir, aunque tan sólo se le hayan pasado por la cabeza.

4. STEVE MASTER STIFFLER

De su boca han salido las mejores gracias de la saga American Pie, que sin este personaje, no habría sido la saga adolescente referencia de toda una generación.

5. JAY Y BOB EL SILENCIOSO

De una mente genial como la del director Kevin Smith, no podían surgir más que estos geniales personajes, que salen en casi todas sus películas.

Además tienen una película dedicada a su protagonismo, Jay y Bob el silencioso contraatacan.

friends-chandler-joey2_480x3606. CHENDLER BING Y JOEY TRIVIANI

Ha resultado imposible separarlos, ya que estos geniales compañeros de piso, han hecho entre los dos, las delicias de los fans de la serie Friends, que no lo hubieran sido sin estos dos detrás.

7. SHELDON COOPER

Hay personajes que son lo que son porque hacen gracia, y otros hacen gracia porque son ¨unos personajes¨, este es el segundo caso.

8. BARNEY STINSON

Como conocí a vuestra madre, no se entiende sin él, es de hecho, lo único que merece la pena de la serie desde hace tiempo.

dr-maligno9. Dr. MALIGNO

El malo menos malo del cine, y el más gracioso.

La perfecta replica cómica a los villanos del cine contemporáneo.

10.

Decantarse aquí por alguien, sería dejar fuera de la lista a personajes que no lo merecen, tales como Michael Scott (The Office) o Cameron y Phil Dunphy de la serie Modern Familly.

Cam

 

José Mtnez Reixa

Los mejores villanos

LOS MEJORES VILLANOS DE LA HISTORIA

Los villanos son aquellos personajes que ejercen la maldad deliberadamente normalmente con propósitos contrarios a los del héroe.

A lo largo de la historia del séptimo arte, algunos de estos se han ganado nuestra simpatía, o al contrario, han sido fuente de emociones tristes, de rabia o decepción. Empezando por los clásicos de Disney con los que nos criamos – Cruella de Vil (101 dálmatas), Scar (El rey león), o la madrastra de La cenicienta -, pasando por los “malos” de exitosas novelas adaptadas a la gran pantalla, o superproducciones memorables – Lord Voldemort (Harry Potter), Sauron (El señor de los anillos), el Agente Smith (Matrix), Davi Jones (Piratas del Caribe) -, y terminando por una larga lista de antagonistas trastornados, muchos de ellos ya citados en aquel post ‘Próxima parada: interpretar a un loco‘ y en ‘El mejor cine de terror‘ – Jack Torrance (El Resplandor), Alex DeLarge (La naranja mecánica), Freddie Krueger (Pesadilla en Elm Street), John Doe (Se7en), El Indio (La muerte tenía un precio)… – . Pero de esta infinita lista, presto especial atención a unos pocos, los que recordaré toda mi vida como “perfectos malos de la peli”

darthvader_by_wraithdtDARTH VADER (STAR WARS)

El villano en su definición más clásica. La posibilidad de usar poderes para hacer el mal, hace que sea aún más imponente. Representa la conversión de una persona (buena en principio) que se deja arrastrar por el mal, o por el lado oscuro, hasta las últimas consecuencias.

JOKER (EL CABALLERO OSCURO)

Él mismo lo dice: “Soy un agente del caos¨, ¨Actúo sin pensar, si alcanzará lo que quiero, no sabría que hacer¨.

Él es la imprevisibilidad, la muestra de una mente enferma en la que sólo se maquinan las más oscuras elucubraciones.

De todas maneras, es por la actuación del fallecido Heath Ledger, por la que más claramente hemos conocido la faceta más oscura de este magnífico personaje del universo Batman.

Famosa escena de Psicosis, Alferd Hitchcock

Famosa escena de Psicosis, Alferd Hitchcock

NORMAN BATES (PSICOSIS)

Es curioso como las personas que pueden parecer más inofensivas, luego pueden ser aquellas que más taras tienen.

Este personaje es el ejemplo de la locura más insospechada, que aparte de sorprender, va ¨in crescendo¨ durante toda la película.

Sólo Hitchckok podría presentar un personaje así.

DR. HANNIBAL LECTER (EL SILENCIO DE LOS CORDEROS)

Su atracción consiste en la sombría elegancia, inteligencia y frialdad con las que realiza sus malvados planes.

Aunque el hecho de que su hobby sea disfrutar del asado de los órganos vitales de sus víctimas, no hace sino refrendar el temor de que alguien así pueda existir.

MAX CADY (EL CABO DEL MIEDO)

Se dio a conocer por los 60 interpretado por Robert Mitchum, aterrorizando a la familia de Gregory Peck.

Pero fue la recreación de Robert De Niro, en la versión de Scorsese en los 90, la que le dió mayor fama. Nadie después de conocer a este psicópata, ha entendido mejor lo que una persona es capaz de hacer para obtener su venganza.

sin cityKEVIN (SIN CITY)

Este personaje interpretado por Elija Wood, es algo así como el villano supremo.

Lo tiene todo, su expresión da miedo (siempre con una sonrisa y con sus gafas de culo de botella), su vestimenta también, y su manera de matar sólo se le podría ocurrir a la mente más perversa. Aunque lo que le hace tan terrorífico es la ausencia de emociones que presenta.

No hay nada más peligroso que algo sin posibilidad de apiadarse de alguien.

BANE (THE DARK KNIGHT RISES)

El personaje de Bane por sí solo no merece este puesto, pero la recreación de Tom Hardy en la última película de Batman, sí.

Ningún personaje ha intimidado tanto físicamente en la gran pantalla.

The-Usual-Suspects_2KEYZER SOSE (SOSPECHOSOS HABITUALES)

La peculiaridad de este villano, es que no sabes que lo es hasta el final de la película.

Cuando en todo el metraje no sale ni una sola vez, y se refieren a él como ¨el diablo´, lo único que no esperas es que sea todo lo contrario.

Y es que el mejor truco que inventó el diablo fue convencer al mundo de que no existe.

Donald Pleasence interpretando a Blofeld, en "Solo se vive dos veces"

Donald Pleasence interpretando a Blofeld, en “Solo se vive dos veces

BLOFELD (007)

El villano de James Bond por excelencia, aquel que inspiró su copia del Dr. Maligno, tan solo su pose, siempre acompañado de su gato, rezuma maldad y conspiración.

Aunque el último villano de Bond, encarnado por Javier Bardem en Skyfall, está sobradamente a la altura.

Por último…

Dedicarle una especial mención a un personaje que supera la villanía, que desborda lo razonable de la maldad de ficción, para pasar a un plano más humanamente cruel, pues se basa en hechos reales:

AMON GOETH (LA LISTA DE SCHINDLER)

Spielberg le regaló esta joya de personaje a Ralph Fiennes, que supo transmitir al mundo la fría alevosía de figuras humanas que realmente existieron y probablemente existan.

José Mtnez Reixa